Esta obra remete a volta para consciência do nosso ser interior. O Homem tratado no quadro esta repousando sobre um grande livro, que representa nosso conhecimento. Este conhecimento serve de apoio para esse momento?  O homem parece estar se protegendo, voltado para dentro de si mesmo. As linhas provocadas pelas cores pastéis sugerem formações rochosas sedimentares, como nas pinturas rupestres. As sombras sugerem uma mão com garras, retratando os monstros da nossa consciência.

Este díptico (duas telas) nos remete a um nobre, devido as cores escolhidas para seu manto, que reflete sobre sua própria situação. Suas feições trazem a tona seus conflitos internos. Sua mão possui o dedo indicador em uma posição curiosam. A também uma curiosa tensão nos membros superiores e contra partida aos membros da parte inferior  Este quadro tem cores pasteis próximas as cores de estudos renascentistas.

Esta obra ilustra o momento da criação do homem. Momento o homem recebe em suas narinas o sopro da vida. É um quadro belíssimo cujo movimento das partículas pintadas nos reporta ao movimento do vento. Curiosamente o Artista utiliza areia misturada a massa acrílica e ao pigmento.

Esta maravilhosa obra faz um par com “...sopro da vida”, e também mostra o momento da criação do homem.  Como o próprio título sugere, representa o momento em que o homem é criado a partir do pó da terra.  A posição do homem é muito mais estática do que na outra obra que sugere muito movimento. O dedo indicador tem uma posição de destaque e aponta para o chão sinalizando algo.

Com uma cromia celestial e com muita luz, esta encantadora obra chama a atenção para a utilização inadequada dos anjos pelo ser humano.

Esta obra é o par da obra anterior e também nos impulsiona a colocar os anjos em ação.

Uma das obras mais encantadoras e polêmicas do Artistas. Um anjo, sugerido pelas asas, com seios femininos desnudos.  A posição do corpo e o ângulo do rosto indicam que o anjo está subindo. Esta obra marca também uma mudança na linha de contorno. O artista utiliza o “tribal” para marcar o contorno do corpo e o formato da cabeça.

Esta belíssima obra tem partes do corpo trabalhadas volumetricamente enquanto que outras deixadas inacabadas, permitem que o observador participe do processo criativo construindo mentalmente o que falta. O espetacular neste quadro é que a luz não foi feita utilizando o branco, mas sim o Artista lixou a tela até a massa acrílica que estava por baixo da pintura. Aqui o tribal também auxilia a construir parte da imagem.

Nesta obra as mãos são delineadas a partir do espaço negativo. A luz constrói os membros superiores. O tribal marca, principalmente, um dos lados do corpo. Nota-se sutilmente o que seria o contorno de asas que sugerem ser a ascensão de um anjo. Também observa-se que no canto inferior à esquerda, a pintura sugere chamas de onde provavelmente o anjo esta partindo.

Temos aqui uma obra prima. O artista fez vários esboços até escolher qual o que melhor retrataria a verdadeira agonia da crucificação. Um acidente que machucou muito o filho mais velho do Artista, o auxiliou a definir qual seria o melhor ângulo para a cena. A impotência de um “Pai” vendo o sofrimento de seu “Filho”, sugeriu mostrar a visão de Deus vendo seu Filho crucificado. A agonia das mãos e a tinta vermelha que escorre no cano superior esquerdo (sugerindo a idéia de sangue que escorre), contrastam com as cores luminosas da obra. O lado direito do corpo é desenhado pela luz do fundo, o que sugere que parte do corpo já é espirito. Acima a mão direita notam-se formas que parecem faces de mulheres distantes, vestidas com a burca.

Nesta pintura grande parte do homem é também definido por um tribal, porém neta obra pela primeira vez o tribal é colorido.

De uma forma extremamente sutil a intimidade de uma mulher é revelada nesta obra.

Uma obra belíssima e que representa o espectro da natureza que surge das sombras manifestando-se à luz.

Uma obra  que transcende o belo. Lembra pinturas renascentistas e o corpo da modelo se integra  ao azul do fundo.

Esta obra é a precursora do movimento Fusion. Nela o Artista teve o insight de fazer as esculturas brotando da tela.

Esta obra reflete o momento em que o ser humano apoia sua cabeça sobre as grades das prisões que ele mesmo criou. As grades são imaginárias, pois não estão materializadas, mas  parecem ser etéreas. Esta obra foi feita no período em que o Artista fazia o mestrado em Engenharia Mecânica.

Esta obra representa a fé que Ivan Rossé deposita no ser humano. Vemos um homem deitado, aparentando ser um indigente, pois está coberto por caixas de papelão e repousa sobre papeis. Porém, sua aparente fragilidade contrasta com a força do seu corpo, que indica o quanto o Artista acredita na força contida e guardada dentro de todos. O potencial do ser humano é ainda mais acentuado pelas chagas nos pés e pulsos, mostrando que ele poderia ser um homem com a força de transformação do próprio Jesus Cristo. As três moedas com a cara pra cima indicam, como no livro do “I Ching”, o yang velho, o principio da mutação para uma nova consciência.

Aqui, o Artista investiga mais uma tema delicado da nossa sociedade.  O vigor da figura central, que carrega em seus ombros o saco cheio de terra para ser garimpada, faz uma alusão ao sonho de uma scoiedade decadente, que busca a qualquer preço a riqueza e o poder. O homem logo abaixo mostra, através da postura de sua mão, a dor e a angústia dessa situação. A obra é feita em pedaços separados, chamando a atenção para uma sociedade que também esta fragmentada .

Como Ivan Rossé usou várias vezes a simbologia da crucificação para representar Cristo, nesta obra opta por um outro momento. Mostra o sofrimento de cristo, evidenciado pela mão, através do fardo de carregar sua cruz. nesta obra, está bem evidente uma outra marca dessa fase: as linhas de contorno bem definidas, parecendo espinhos, exacerbam a agonia do tema retratado.

Mais uma obra prima. A mão “grita” em agonia, mostrando toda a dor das grades que se deitam como sombras sobre as costas do homem.  As linhas de contorno se mostram mais definidas, e pontioagudas como espinhos. Neste quadro, a luz foi usada para definir o limite de contorno na parte esquerda-inferior do torso.

Nesta obra dramática, o negro é crucificado. Fruto de uma sociedade partida – representada pela fragmentação em dois pedaços, toda a agonia e a dor da segregação é evidênciada pela rispidez das mãos pregadas à cruz. Um detalhe muito importante é que a cor negra da pele se assemelha a uma tinta que caiu sobre o corpo, mostrando que não há diferenças pela cor: a cor é apenas uma capa.

Esta obra é uma das mais belas e com mensagens subliminares desta fase.  A rede de pernas  representa a força propulsora da união de todos que, embora façam parte de uma sociedade fragmentada (representada pelas telas divididas), estão entrelaçados. Além disso, a rede de pernas, como a própria simbologia de uma rede sugere, serve para suster.  Nota-se, também, uma perna ainda em formação, indicando quea rede não termina.

Este quadro é um dos mais belos desta fase. Revela a natureza representada por mãos acorrentadas, ou arrancadas do chão. As cadeiras cuidadosamente colocadas de frente para as árvores deixam claro que são apenas espectadores que apreciam a cena sentados. Uma cadeira caída mostra, também, que os espectadores “abandonaram”  a cena. Ao fundo, discretamente, estão colocadas as nuances de uma cidade, talvez a agente desse cenário. O céu esta parado, estático.

Esta obra mostra um labirinto no qual os “seres” (corpos de pessoas e rostos lembrando máscaras) andam às cegas, como se procurassem algo.  No canto direito inferior, podemos ver traços de um “Frade” com sandálias e com um crucifixo na cintura, como se abandonasse, ou percorresse a cena. Vemos também outros ícones de outras religiões:  à direita, no centro, vemos  Shiva, Deus supremo dos Hinduístas; à sua esquerda, uma estátua de Buda e,por fim, sobre o ombro direito do “homem” central, a estrela de Davi ou selo de Salomão, dos Judeus e do Santo Daime.

Vemos aqui as ruínas do que poderia ser uma “senzala”. Correntes,  algemas e torturas “medievais” mostram o que seria um local de torturas. Um homem negro mostra o cenário buscando justiça. O homem branco usa um elmo para esconder sua face. Suas mãos parecem estar diluídas, como que fundidas.  A sombra dos homens mostra ainda o racismo escondido, pois a sombra do branco agride a sombra do negro.  No entnato, a sombra do negro tem as correntes abertas na altura dos pés, enquanto o sombra do homem branco está acorrentada. Vemos ainda no alto da ruína um relógio, atual, virado de cabeça para baixo. Os galhos secos representam, como cruzes em lápides, outros pontos de manifestação da cena descrita. O céu sugere movimento.

Aqui, o Artista utiliza um quadro renascentista para fazer uma nova crítica. Observe que o menino ocupa o lugar de Adão no quadro original, mostrando a visão que o Artista tem da humanidade. Observe ainda que o rosto do menino parece o de um ancião, mostrando o que a humanidade acredita ser. Porém, seu rosto está inerte como que cumprindo seu dever e mostrando toda  sua dor.  A cobra tem um papel importante neste quadro, pois além de ter toda uma simbologia implícita, serve, na obra, como elo entre a terra e o aparente céu, já que, na verdade, o céu é apenas um papel e a cobra, ao rasgá-lo, mostra que a outra mão é apenas uma pintura sobre ele.

Aqui temos uma das obras mais impressionantes da primeira fase. Aparentemente a mulher Alva soergue um dos meninos negros do quadro. Porém, muito sutilmente, observa-se uma corroa de espinhosa na cabeça no menino em pé, mostrando que ele, na realidade, está sendo crucificado. A mulher, que também segura duas balanças, representa a Justiça. E então o  Artista faz sua crítica à justiça, tirando seu rosto e colocando emseu lugar o chapéu de um arlequim. À direita e abaixo, vemos outros dois meninos, que podem ser passadas ou futuras vítimas.

Aqui o Artista aborda um tema polêmico. Ao centro está uma mulher que pela sua postura exerce domínio sobre o homem que tem , por sua vez, a proporção de um menino.  E este poder se refere ao sexo como sugere a cena. O “falo” do homem é uma cruz de cabeça para baixo, presa por correntes ao chão, na extremidade.  Porém, a mulher não esta apoiada com suas próprias pernas no chão, mas sim em uma mulher enrugada e outra em formação – representando a passagem do tempo. Para o artista, esses ovos são o centro da vida. E um deles “gorou”.

Nesta obra o Artista brinca com materiais, pois o “Ovo” parece ser quebrado por uma das pernas da mulher, enquanto na outra parece ser esticado.  Além disso, também brinca com a sombras projetadas: as pessoas estão dentro ou fora do ovo?

Este poderia ser um quadro “belo”, não fosse o tema abordado. Vemos restos de troncos que parecem ter sido queimados. A fumaça decorrente da queima alcança os céus mostrando o que outrora fora. Parece que o espírito das árvores é desenhado pela cruel  fumaça em ascensão.

Este é um dos últimos quadros feitos nesta fase. Nele, o Artista se mostra desenhando a ele próprio nesta fase densa e triste, porém,  com uma visão mais suave. Os cavaletes, com quadros em efeito de vidro, representam sua obra, frágil e transparente. O céu sugere muito movimento, enquanto o chão parece estático.

Este desenho marca o recomeço da obra do artista. O desenho explora toda a dor e a angústia provenientes da perda do seu portifólio: seis anos de sua vida artística foram perdidos. Esta obra possui caracaterísticas surrealistas, dentre elas a forma de um corpo de braços abertos que sugere uma imensa narina , simbolizando a vida que vem pela respiração. Nota-se também que uma das  pernas do corpo central é também  o nariz do rosto (autoretrato) que aparece dentro da narina. O corpo central está sem cabeça e, e no lugar desta vemos uma forma etérea, representando a essência que se esvai.  Em meio a esta“fumaça”, percebe-se o auto-retrato do artista, com as mãos na cabeça e mostrando a dor do episódio.

Este quadro revela um momento muito peculiar na vida e obra do artista, marcando um período completamente cético em sua vida. É uma obra também influenciada pelo movimento surrealista. Em primeiro plano, vemos uma caveira de um bode, encontrada por uma amigo do artista em uma praia. A caveira maior transforma-se numa “mão chifrada”, enquanto uma outra caveira, menor, tem seus chifres em formato de braços.

A partir de um mero estudo investigando os Fenômenos da luz através de vidros, o artista foge do trivial de uma natureza morta e “brinca”,  fazendo as hastes parecerem cobras.

Nesta obra, o artista já começava a utilizar as imagens para traduzir uma mensagem consciente (Neossurrealismo).  Nela, veem-se dois corpos de sexos opostos cuja carne se une em um só corpo. A essência da mulher é clara, enquanto a do homem é escura. A parte unida dos corpos representa  um clitóris, e logo abaixo deste, o que seria um falo com várias gônodas masculinas, dando a idéia de que o homem é mais carnal. Os corpos se apoiam sobre uma mão  que sustenta o ato sexual. Ao fundo, vemos uma terceira figura que, apesar de masculina, apresenta um ventre pronunciado tal como o de uma mulher grávida.

Mesmo muito depois de sua terceira fase, o artista faz um estudo de um menino negro  com seus braços abertos, parecendo estar crucificado nos arcos da lapa.

Este estudo introduz uma idéia original: fazer um quadro para decorar o piso. Por isso, ele é assinado tanto em cima quanto  embaixo. Da forma como é visto na foto, o quadro mostra o criador criando os elos que ligam o universo. Visto de ponta cabeça, o mesmo quadro é a representação da mão da criatura, aprisionada aos elos da criação.